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La laringe, o sea lo que comúnmente llamamos garganta, fue el primer instrumento musical del que hizo uso la humanidad. Las antiguas culturas habían descubierto este instrumento y creían que el canto y la música habían sido creados por los dioses. El arte del canto fue desarrollado por todos los pueblos.
En el siglo VII, prohíben que las mujeres canten en las iglesias; continúa la homofonía hasta el siglo X. En este siglo se comienza a cultivar el organum para voces masculinas e infértiles. El cantus fimus mantiene la óármula melódica del tema elegido como base, el organum canta nota por nota con unos intervalos más graves en una cuarta u octava paralelas. Estas innovaciones se conocen como Ars Antiqua. Hasta el siglo XI, el canto es ejecutado a una sola voz; en el siglo XII aparecen innovaciones para el canto de dos o tres voces, aparecen las disonancias de ritmo libre y la melodía está muy adornada. Es importante decir que las mujeres llegan una octava mas arriba que los hombres, o sea que cantan 8 notas más arriba que los hombres, por eso cuando tenían que ejecutar una nota muy aguda, los hombres tenían que usar un registro llamado falsete.
En el siglo XIII aparece el motete, que el canto a varias voces con palabras diferentes y produce un gran efecto armónico. Este es el inicio de la polifonía. Durante el siglo XIV el canto adquiere valores de notas breves, se fija definitivamente el ritmo, y ya no hay solistas, sino que todo el pueblo canta. Es el “Ars nova”. Las mujeres continúan sin poder cantar en las iglesias y se comienza a recurrir a la castración para obtener voces agudas. A fines del siglo XV, se publican los primeros preceptos para un buen canto coral. Según ello debe ser: en conjunto, en la unidad de tiempo, en el registro medio, con devoción y arreglo a las finas costumbres ciudadanas.
Con el cambio de siglo aparecen nuevos gustos y nuevas ideas estéticas. El arte de la polifonía de una simple supervisión de voces. En este momento los músicos y poetas sintiendo la necesidad de expresarse de la forma monódica del canto; esta necesidad debe entenderse como una aspiración de manifestarse en forma individual, Con ello el cantante solista comienza a destacarse y ser el centro. Esto hace surgir la necesidad de una buena técnica vocal. Ahora las palabras tienen que ser entendidas, esto obtiene un valor dramático que hasta el momento no poseía. En el siglo XVI, en pleno auge del renacimiento, los nobles florentinos organizan reuniones de poetas, pintores y músicos, estos círculos culturales son llamados “cameratta fiorentina”, con interés por las tragedias griegas. Es de destacar, “la cameratta” que tenia lugar en el palacio del conde Giovanni del Bardi. A ella asisten Gruglio Caccinni y Giacomo Peri, músicos que intentan resolver el recitar cantando escribiendo el melodrama que podemos considerar como primera opera. Con ella se va concretando esta idea musical y se forma la opera fiorentina llamada drama per. Música en la que el coro tiene aun gran importancia. Las representaciones se realizaban en los palacios de la nobleza y en las cortes reales.
El cantante tiene que adecuarse, empiezan a surgir escuelas de canto. En tanto que las primeras operas predominan la delación, en años posteriores se ve cada vez mas una división del canto en recitados y arias. Esta influido en la parte recitativa, si esta acompañado por un clavicémbalo se llama recitativo secco, acompañado por la orquesta es recitativo accomginato. Las arias son interpretadas por solista, en forma independiente, en esta la acción se interrumpe y el cantante expresa sus sentimientos, en el contenido de un aria existe oposición de sentimiento, en una primera parte se expresa el primer sentimiento, en la segunda el sentimiento opuesto, y para redondearse la forma se repite la primera parte. En este final de la “Aria da capo”, los cantantes quieren deslumbrar al publico con su voz. Posteriormente, los teóricos del arte del canto dan instrucciones para conseguir tonos bellos y llenos. Se empieza a descubrir que para cantar no es suficiente tener una voz hermosa, hay que ejercitarla, educarla, buscar ejercicios más robusta y dócil y con una clara dicción. También surge la “opera alegórica” en la que los personajes son el cuerpo, el alma y el entendimiento. Los falsetistas continúan cantando, pero ya se aceptan los castrados en las iglesias, y comienzan a sustituir a los simplistas. La castración toma mayor incremento y continua hasta unos siglos mas tarde.
En el siglo XVII, Inocencio XI prohíbe en el edicto de 4 de mayo de1656 que se enseñe canto y música a la mujer, por ello es que las reemplazan lo sopranistas en el teatro. Por aquel entonces se fundan escuelas de canto que llegan a ser celebres. Allí se educan infinidad de niños a los que el pueblo llamaba músicos con el significado de cantores castrados. Los músicos hacen lo que publico espera de ellos. Y la música sigue así su educación, los castrados cantan papeles femeninos.
La opera sigue desarrollándose, los temas siguen siendo sobre personajes mitológicos y clásicos y con largos recitativos. La música polifónica llega en este siglo a la perfección con la música. (S.XVI) a capella o sea sin acompañamiento de instrumentos. Luego de esta polifonía, con el renacimiento, la música efectúa un desarrollo de la línea melódica con la influencia simultanea de otros tonos en forma de armónicos, esto le da belleza y aumenta la expresividad de la melodía, por lo tanto halaga la vanidad del cantante. El siglo XVII, junto con los fines del siglo XVII, se considera como el siglo de oro del Bel canto por refinamiento de expresar y pureza del sonido. La opera veneciana acentúa mas el papel de los solistas, en cambio el coro pierde preponderancia, hasta llega a desaparecer por completo. Para el final de este siglo había en Venecia 14 teatros, la mitad del mismo eran exclusivos para operas. Casi comenzando el nuevo siglo se nota la reacción contra el recitado cantado. Las nuevas corrientes artísticas se dirigen a alcanzar una belleza del sonido, a aumentar la extensión de la voz y agilidad en la vocalización, y el cantante para evitar la monotonía del publico y maravillarlo se dedica al malabarismo canoro, a la ornamentación improvisad, la expresión no se tiene en cuenta. Esta nueva concesión llamada Bel canto trata la voz como un instrumento; debía ser a fuerza de practica convertida en una flauta. Este culto, respeto a la admiración de la voz hace que los compositores escriban sus obras pensando en las cualidades de determinado cantante. La opera se adapta a lo que quieren los cantantes; entonces esto se convierte en un conglomerado de arias da capo, los abusos de los cantantes son extraordinarios. El autor de la partitura carece totalmente de importancia. Por eso el Bel canto requiere una técnica prodigiosa y una forma florida, barroca.
El rey Felipe V introduce la opera en Esparta. Durante el siglo XVIII hay una gran rivalidad entre MODERNISTAS y los CLÁSICOS. Los primeros poseen vistosísimo vocal, emprendió toda clase de gorjeo, trinos. Los clásicos le dan importancia a la poesía y al sentimiento. En este drama musical adquiere mas humano. La tendencia es adaptar argumentos censillo, alegre, jocoso con una música ligera y pegadiza. Esta tendencia es llamada opera bufa. En Francia se trasforma en opera crónica, el equivalente alemán es el simgspiel. El 23 de diciembre de 1793 las autoridades de Milán prohíben que el cantante repita un aria. Durante el siglo XIX la agilidad vocal luce sus últimos emprendedores, cuya vocalidad, se considera la más perfecta del Bel canto, la ornamentación esta incluida en la partitura. Aparece el registro de mezzo-soprano que antes era confundido con el de contralto. En la segunda mitad de siglo el estilo romántico, la voz deja de ser el instrumento primordial, se pone a las ordenes la expresión y del carácter del papel. Es característico la abundancia de notas sopracuti. En la gran opera los protagonistas son seres humanos con defectos y virtudes. Los castrados no encajaban en este tipo de opera. Con ello la castración va en disminución.
A principios del siglo XIX se inicia la decadencia del Bel canto. El publico se fatiga de las fiorintures que recarga la melodía. Las cualidades instrumentales de la voz pasan a segundo plano, lo que se busca ahora es el efecto dramático, se hace hincapié sobre la expresión del sentimiento. En este sigo aparecen de colatura, italianas. A finales del siglo XIX el publico acepta al compositor como la figura principal y dominante del arte lírico, el cantante debe estar a sus ordenes esto hace surgir la necesidad a dirección y del control del director de orquesta. En 1903 según un decreto del papa Pio X no se admiten en la capilla Sixtina los cantores eviratus. Con la constante interpretación de las misma obras, algunas mejores que otras. Probablemente el nivel de competencia es mas alto hoy en día que antes. El cantante enfrenta dificultades mayores, su tarea es más compleja, el campo es más amplio, la critica mas aguzada. Esto obliga al cantante a tener una gran cultura musical y una técnica vocal que permita interpretar extensos, con estilos distintos. La interpretación deja de lado la utilización del falsete. Se debe cantar sobre un solo registro en toda la tesitura. El cantante ahora es esclavo de la partitura. Desde el principio hasta el final, la composición es sagrada y la nota escrita es inmutable.
Conclusión:
En la actualidad se le da muy poca importancia a la historia del canto y a la música clásica. Pero es muy importante conocer sobre la historia ya que nos acercan a la los orígenes de las música actual. Con respecto a la música clásica debemos respectarla ya que sin ella no hubiera podido nacer las diferentes expresiones musicales.
En general los jóvenes les parecen tediosas y no la respetan, es obligación de los profesores de música hacerla respectar y hacerles entender que toda clase de música es respetable. Esta es una tarea muy difícil y provoca una continua pelea entre el profesor y el alumno, por eso me motivó a formular este articulo de historia del canto. Les dedico este articulo a Alberto (uno de los creadores de esta página), a Pablo Claria, al coro de Ramos Mejia y a Damián Moragas, quienes me acercan cada vez mas al mundo de la música. A quienes les estoy muy agradecida. También se lo dedico a Fernando Maglia, a Gilda Cangiano, a Nancy Selan, a Pablo Banchi, a Elena Vivona, a Julio Pérez, a Sabrina Bleber y a los lectores de este articulo.
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